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Pourquoi faire une énième chronique sur un album qui a déjà eu les faveurs de toute la blogosphère et des magazines spécialisés ? Tout a été dit sur cet album qui va probablement être dans les cinq meilleurs albums de l’année. Mais voilà, quand un artiste accouche d’un album qui sera sans nul doute le mètre étalon de la musique indé actuelle pour les années à venir, on ne peut que lui rendre un hommage. Disque solaire à la maturité parfaite, Logos deviendra un classique. Bradford Cox est un artiste prolifique qui écrit des mini symphonies au prisme sonore luxuriant. On ressent la mélancolie et les cassures de la vie du leader de Deerhunter. On ressort enivré de mélodies subtiles et des boucles d’effets mystérieuses. Il ne nous reste plus qu’a nous laisser aller à un abandon léthargique. Logos est une œuvre exigeante et sans faille située quelque part entre un néo folk fantasmagorique et un psychédélisme lunaire. Comme Animal Collective ou Grizzly Bear, Bradford Cox marque son temps avec l’empreinte de son génie.

L’évocation de Profondo Rosso fera frissonner plus d’un cinéphile. Titre d’un film du maître incontesté du thriller italien Dario Argento paru en 1975, c’est aussi le nom du duo composé de Romain Guillou et de Johan Le Velly. Né après le split de Callahan’s Bullit (autre référence cinématographique), le duo rennais a, depuis 2006, sorti deux albums (Homecooking with Friends en 2006 et Rue Bara en 2008). Leur troisième effort, et de loin le plus excitant, s’intitule Jours de Lumière. Album atypique car c’est la bande son du roman noir du même nom de Sébastien Doubinsky, illustré par EM. Habitué à la mise en son de documentaires (Les Machines de L’île de Benjamin Treussard et Nicolas Simon), Profondo Rosso est à l’aise dans ce nouvel exercice. Leur musique aux ambiances cinématographiques se dirige aujourd’hui, grâce à cette collaboration, vers une approche littéraire. L’accent morriconiesque de leur musique instrumentale et éthérée est en parfaite symbiose avec le road-movie du héros Billy Sherman qui lutte aussi bien contre une tempête psychologique que naturelle. Tour à tour calmes et tendus, les morceaux peuvent aussi bien s’écouter lors de la lecture du roman ou exister par eux-mêmes tant ils poussent à l’onirique. Ces deux types de lecture sont la force de cet album. Maintenant, à vous de voir comment vous voulez aborder ce songwriting léché.

Voici plus de 10 ans que Mirah, Mirah Yom Tov Zeitlyn de son vrai nom, pousse la chansonnette, et pourtant, sa musique reste trop injustement sous estimée. Basée à Portland, elle sort son quatrième album solo, (A)spera sur le label K-Records. Membre originel du groupe The Drivers, Mirah a fait du chemin depuis son premier album solo Storageland sorti sur Yoyo Recordings en 1997 et ses multiples collaborations. Aujourd’hui, ses morceaux sont de véritables mini symphonies. A la croisée des genres musicaux, Mirah n’hésite pas  à voguer vers des styles de musiques éloignés de son folk d’origine même si, globalement, le style de l’album reste dans la mouvance pop folk. On retrouve la musique Yiddish, un soupçon de musique africaine grâce à la kora (Shells), mais aussi une pointe de jazz (Gone are the days). Le morceau qui clôture cette épopée sonore, While We Have The Sun, est une nouvelle version d’un titre initialement enregistré en collaboration avec Ginger Brooks Takahashi sur l’album Song From The Black Mountain Music Project.  Pour ce nouvel opus, Mirah s’est entourée d’un fidèle compagnon en la personne du producteur et musicien Phil Elverum (membre de The Microphones, guitare, piano) qui a déjà notamment participé sur les albums The Old Days Feeling et Advisory Committee. Tara Jane O’Neil, en amie et nouvelle recrue du label, joue aussi de la basse sur (A)spera. Les présentations étant faites, il ne reste plus qu’à espérer que cette nouvelle amitié offre à Mirah une reconnaissance plus méritée.

« Aïe » pourrait-on dire de l’album de Vitalic tant la sensation de recevoir une gifle est perçue à l’écoute de Flashmob, dernier album en date de Vitalic. Personne ne sortira indemne de ces treize nouvelles vignettes electro. Impossible de ne pas sentir la moiteur des dancefloors monter en vous. A coup sûr, une goutte de sueur perlera sur votre front, car Flashmob est sans conteste l’album le plus électrisant de l’année. Il n’est pas étonnant, que lors des dernières Eurockénnes de Belfort, une mini émeute a éclaté dans le camping, suite à l’interruption volontaire du set par les organisateurs du festival. Entre le chant façon Donna Summer période Giorgio Moroder (Poison Lips) et les beat acidulés (Flashmob), le dijonnais enflamme vos pulsions les plus refoulées. Pascal Arbez n’a plus rien à envier à ses compères outre-quiévrain : Soulwax. On le remerciera tout de même pour ses échappées kraftwerkiennes (Allan Dellon) et ses envolées lunaires (Station Mir 2099, Still) qui nous reposent de ce disco digital hédoniste et nous permettent de finir notre soirée chez Septime.

Entrer dans l’univers de Tara Jane O’Neil, c’est entrer dans un univers d’artiste polymorphe. En complément de la musique, TJO peint et dessine. Ses travaux ont été exposés à Barcelone, Tokyo, New-York. Elle a aussi collaboré à de nombreux projets musicaux comme Papa M, Jackie-O Motherfucker ou encore Mirah. Mais là où elle s’exprime le plus délicatement c’est dans ses albums solos. A Ways Away est son sixième album et le premier sur K Records, le label de Calvin Johnson. Dès le premier morceau (Dig in) on reconnaît tout le charme de TJO : un folk onirique bercé par un chant doux et vaporeux sorti de nulle part. Les paroles sont chantées comme des poèmes. Une ambiance shamanique règne sur A Ways Away. Son jeu de guitare mêle à la fois basse et arpèges aigues. Multi-instrumentiste, TJO s’accompagne de boucles préenregistrées. Il est impossible de donner des références musicales tant elle produit un univers presque cinématographique. Un univers qu’elle a l’habitude de côtoyer puisqu’ il lui arrive de faire des shows improvisés devant un film ou une pièce de théâtre. Le songwriting délicat d’A Ways Away permet une nouvelle  fois à TJO de repousser les frontières d’un folk mélancolique et expérimental.DrowningTara Jane O'NeilSite / Myspace

Lorsqu’il ne joue pas au sein de Trunks auprès de Laetitia Shériff, ou avec Pink Iced Club ou encore dans l’Ensemble de 8 guitares d’Olivier Mellano, le stakhanoviste Florian Marzano joue ses plus belles compositions dans son projet We Only Said. Celui qui, au départ, s’appelait I Only Said s’est vite entouré de ce qui se fait de mieux en tant que musiciens : Cédric Moutier, Mathieu Languille (Montgomery), Pierre Marolleau (Fordamage), Mathias Prime (Saitam, See Saw Motion) pour ne citer qu’eux. Depuis deux ans, ils jouent un post-rock mélancolique ouvert à tous les horizons et habité par l’univers de groupes comme Bed, Pinback, Midlake et June of 44. Masterisé à Chicago par Bob Weston (Shellac) en personne, les compositions de l’album bénéficient d’une grande finesse dans l’écriture. Le rock atmosphérique du rennais nous plonge rapidement dans une quiétude contemplative. Sans être élitiste, la musique de We Only Said est intelligente. A l’instar d’Olivier Mellano et Benoît Burello, Florian Marzano fait désormais parti des grands musiciens compositeurs dont la scène française a le secret.

Derrière cette pochette au goût kitch prononcé se cache la dernière sauvagerie rock de l’année. Elle renferme la musique rageuse du groupe londonien KASMs mené par la déjà charismatique Rachel Mary Callaghan. Une sorte de Nina Hagen, encore plus déjantée, qui ferait passer Beth Ditto pour une bonne sœur. Enregistré seulement en trois jours, Spayed est un condensé de punk gothic qu’ils qualifient eux-même de "shriekbeat". Dans une approche DIY, KASMs a essayé de retranscrire dans leur album le chaos et l’intensité de leur live. Cette énergie punk est capable de réveiller les oreilles les plus endormies. Là où les Yeah Yeah Yeahs et The Gossip se sont perdus dans un mainstream commercial, KASMs et Rory Bratwell (ex-Test Icicles), ont réussi à ne pas trahir un idéal punk rock en composant des morceaux trashy à souhait. Entre le boogie punk de Male Bounding, les guitares acérées de Taxidermy et le pogotant Bone You, difficile de ne pas résister à cette musique qui en a sous le pantalon. Ne perdez pas de temps pour vous procurer leur album, car si l’on en croit leur page myspace; ils sont déjà en train d’écrire et d’enregistrer leur second album.Bone You KasmsSite / Myspace

On connaît le rôle essentiel des Boutiques Sonores, qui depuis quelques années, jouent un rôle important dans la promotion et la diffusion d’artistes pour lesquels ils ont un « coup de cœur ». Pour aller encore plus loin dans leurs initiatives, les Boutiques Sonores se lancent dans un micro label. Après deux hors séries et un numéro zéro, le premier disque des Boutiques Sonores est un split single vinyl (+ codes mp3) regroupant sur une face l’electro pop de The Konki Duet (chronique de Ensemble EP) et sur l'autre la douceur folk de Suzanne The Man avec son EP Let’s Burn.

Il est difficile de se faire une place dans la scène indé américaine surtout lorsque l’on vit à Seattle, ville qui a vu naître Jimi Hendrix et le mouvement grunge. Mt. St. Helens Vietnam Band nait sur les cendres du premier groupe de Benjamin Verdoes. Lors d’une jam session, avec Marshall Verdoes, son frère cadet de 14 ans, ils décident de monter un groupe ensemble. Traci Eggleston-Verdoes, la femme de Benjamin, est responsable “noisemaker”, Jared Price (basse) et Matthew Dammer (multi-instruments) terminent le line-up. Il n’a fallu que quelques mois et de bonnes vidéos postées sur leur page myspace pour qu’ils attirent l’attention du label Dead Oceans. Rien de bien nouveau dans leur musique. Mais il y a quelque chose difficile à décrire qui les rends attachant. Leur musique fait penser à un mélange entre Modest Mouse et les Pixies. Une recette faite de contrastes, alternant rythmes tendus et moments plus calmes à travers des arrangements judicieux qui étonnent l’auditeur. Les deux frères y sont pour beaucoup. Seuls les gimmick de guitare à la sauce glam égrainés par-ci par-là dérangent un peu. Co-produit par Scott Colburn (Arcade Fire, Animal Collective), l’album recèle quelques bons morceaux comme Who’s Asking, Masquerade, Albatross, Albatross, Albatross…

Le groupe The Curious Mystery porte bien son nom. En effet on ne sait que très peu de choses à leur sujet. On sait que c’est un groupe de Seattle signé sur le label de Calvin Johnson, K Records. Mais vous allez dire :“ Peu importe car ce qui est important c’est la musique”...

Depuis 2004, date de la parution d’Il fait tout gris, on a toujours eu un amour attendrissant pour ce groupe qui respire la simplicité et le plaisir de jouer de belles mélodies sans pour autant tomber dans l’anecdotique. Trois ans après Mountain Mouton, voici que The Konki Duet nous livre Ensemble EP. Les premières secondes d’Ensemble surprennent. On se demande si on ne s'est pas trompé de cd. "Riff" est un instrumental à l’atmosphère oppressante. On était loin d’imaginer ces trois jolies filles jouer ce type de morceau. Mais la surprise est là et c’est une bonne chose. Car Tam, Zoé et Kumi ont décidé de ne plus se laisser enfermer dans un style qu’on leur prête trop facilement. Le titre qui donne son nom à l’EP est caractéristique de se renouveau. On est loin du minimalisme à la Robert Wyatt d’Il fait tout gris. On se rapproche plus de l’univers de Stereolab. D’ailleurs, un morceau s’appelle Stereoland. Est-ce un hasard ?...

Anabel est une femme née dans les années 80 et, par conséquent, elle à vécu son adolescence dans les années 90. Cela s’entend dans sa musique. Anabel’s Poppy Day c’est un peu comme ci on avait donné aux sœurs Deal des claviers un peu cheapos pour s’amuser en récréation. De la dernière décennie du XXème siècle, elle retient aussi l’esprit lo-fi qui, durant ces années a connu son heure de gloire. Pas moins de 38 morceaux composent l’album qui sont autant de comptines pop naïves et torturées. De quoi rivaliser avec les albums de Sentridoh. La musique va de la pop song classique (Bed can be boat) à la pop bricolée (Call me Chewie). Pas besoin de longs morceaux pour raconter toute une vie. Tout est dit en un peu près deux minutes. L’énergie est là et c’est le principal. Pas étonnant qu’Anabel’s Poppy Day ai attiré l’attention de Deerhoof et fait leur première partie en Angleterre. Leur univers pop décalé est proche. Anabel’s Poppy Day a déjà tout d’une grande. Serait-on en face de la Next Big Thing ?.

Voici un groupe qui aurait pu naître à la fin des années 60 et finir comme beaucoup d’autres oubliés dans le panthéon du rock. Mais, c’est bien aujourd’hui que Fairguson joue son folk rock et on ne peut que s’en réjouir. On sent dans la musique de Fairguson, souffler le vent psychédélique de la West Coast, la douceur atmosphérique et la mélancolie de l’été indien. Il y a comme ça des albums qui vous emmènent vers de vastes contrées imaginaires. Tales From The 47 Willows renvoie aux grands espaces de l’americana voyageant entre les Byrds, Grams Parsons et, plus proche de nous, Grandaddy. Autrement dit, une écriture pop bien ciselée hésitant entre le vintage et la modernité. Parfois intimiste et d’une sobre élégance (Leaving the Captain, 47 Willows), Fairguson sait se montrer plus rageur avec Wide Open Spaces qui est, sans conteste, la pépite de l’album. Fairguson possède un univers musical singulier et généreux. Une bulle d’oxygène intemporelle pour finir l’année en beauté.

Est-ce que le math rock ne serait-il plus ce courant musical méconnu et sous estimé ? Après les frenchy de La Terre Tremble !!!, c’est au tour des italiens d’Action Dead Mouse  de donner à ce style ses lettres de noblesse....

Comme son nom ne l’indique pas, Ray Bartok est un duo formé par deux musiciens, JS Brosse (sampler, voix) et Phil Sirop (Morning Star, Sylvain Vanot…) à la batterie. Les parisiens tirent leur nom de la contraction de RAYmond Queneau et Bela BARTOK. Déjà partenaires dans différents projets, ils décident de créer ce duo en 2006 et ce n’est qu’en 2009 qu’ils sortent leur premier EP....

Pas la peine d’avoir de grands arrangements et des instruments à n’en plus finir pour écrire de belles chansons. Une guitare folk bien caressée, des harmonies vocales bien dosées et des cordes bien glissées suffisent pour écrire des chansons subtiles et touchantes. Beluga’s Hearing est de ceux qui ont une certaine facilité à composer des mélodies émouvantes avec peu de choses. Il y a quelque chose de Nick Drake et de Sebastien Schuller dans le premier EP du niçois. De la mélancolie surtout. Dans “Beyond”, le violon pleure sa tristesse comme un chant de sirène,  alors que, le tintement du xylophone dans "The Story Of The Heartless Mind”  résonne et adoucit cette nostalgie latente. On se laisse vite transporter par des émotions délicates. Laissez-vous emporter vers les paysages imaginaires que sont les quatre titres de ce premier essai réussi.

Il y a des albums de saison comme il y a des fruits de saison. Where the river goes n’aurait pas pu paraître en plein mois de juillet ou alors les saveurs mélodiques n’auraient pas eu le même le goût. Depuis 2006, et avec une régularité d'un métronome, Benjamin Fincher nous fait tous les ans profiter au mois de novembre d’une autoproduction remplie de petites pépites sonores. Deux ans après Ellis Island et un an après l’EP Old Joy (en téléchargement gratuit), voici que Benjamin Fincher sort un album folk aux accents psychédéliques comme lui seul sait le faire. Benjamin Fincher nous livre ici un album boisé et pastoral. On succombe vite à la rivalité, entre l’authenticité de la guitare folk et du violoncelle, et le côté synthétique des claviers et des boites à rythmes qui remplissent les compositions. A chaque écoute de cet album, dont on ne peut que lui reprocher sa courte durée, on découvre des sonorités nouvelles qui ajoutent de la maturité à l’ensemble...

Dans l’état actuel du marché du disque, il est plus qu’honorifique de créer un nouveau label. Et, lorsque celui-ci a Project : Komakino comme première signature, on peut dire que Desire Records et son créateur Jérôme Mestre frappent très fort...

Sans vouloir parodier un sketch de Coluche, on peut dire qu’avec leur The White Album, Omo lave plus blanc que blanc la scène electro-pop. Ils lui redonnent le coup de fraicheur que l’on attendait depuis longtemps. Tout en ayant la maîtrise de l’ouvrage, Berit et David jouent une electro désarticulée et non préfabriquée un peu à la manière de The Chap. Certes, cette electro ne vous emmènera pas sur les dancefloors, mais plutôt vers une ambiance lounge qu’ils qualifient eux-mêmes de « Pop domestique pour Occasions domestiques ». Concept fameux qui rend leur musique plus attachante. Mais attention, Omo n’est pas un groupe que l’on écoute en toile de fond sonore sans passion ni attention dans le brouhaha des tâches quotidiennes mais plutôt lors d’un « Tea Break ». A quand le jour où les ménagères de moins de cinquante ans dandineront au son d’Omo ?

Dans l’histoire du rock, la femme, l’amante, la muse, tiennent une place importante chez les compositeurs. On peut citer Alfreda et Robert Wyatt, Linda et Paul Mc Cartney et bien d’autres encore. Tous pourraient dire « My girlfriend is better than yours », mais seul Olivier Marguerit et Laurie Lassalle ont pensé à ce patronyme pour leur duo....